FAENA es una organización sin fines de lucro creada el 2008 en Santiago,  Chile. Autogestionamos proyectos culturales con la idea de visualizar dichas producciones creativas, para ello trabajamos en asociación a artistas, investigadores, activistas, espacios de exhibición y producción creativa. Durante 2010-2011 utilizamos como centro de operaciones Escuelab en Lima, Perú; ya que se participó en su programa de residencia. En la actualidad trabajamos en línea. Nuestra base es Santiago de Chile.

Dirección y coordinación: Paula Bustos Flores – en fbk Paula Flup Contacto: faenadigital@gmail.com

FAENA is a non-profit organization created in 2008 in Santiago, Chile. Self-managed cultural projects with the idea of displaying creative productions, we work in partnership to artists, researchers, activists and exhibition spaces and creative production. During 2010 – 2011 used as a hub Escuelab in Lima, Peru, as it participated in their residence circuit program. Currently we work online. Our base is Santiago de Chile.

FAENA is coordinated by Paula Bustos Flores, in facebook Paula Flup. Contact: faenadigital@gmail.com

INKPROJECT; perseverancia y porfía. Espacio emergente dedicado al arte urbano, donde confluyen: taller, tienda, residencia y galería.

Por Paula Bustos Flores @paula_flup

Imágenes cortesía de Esteban Fuentes @retratosconsentido y Juan Rinho @voryzakone

Ink Project es un espacio multidisciplinario; un proyecto que se autodefine como una Editorial de Arte Impreso. Los medios utilizados son la serigrafía de alto nivel y la impresión digital fine art. El proyecto tiene por motor de trabajo infatigable la apuesta de ser un lugar que busca promover, producir y distribuir el talento de artistas connotados y otros aún por descubrir en el campo del arte urbano y de la ilustración; popularizando y acercando el arte a un público diverso e intergeneracional con precios asequibles para que las obras estén al alcance de todos.

Para lograrlo, su metodología de trabajo es invitar a cada artista para colaborar con los dos directores del espacio en la publicación de una obra original; “ya que está pensada para ser impresa en serigrafía o giclée en nuestro taller. Somos artistas trabajando en conjunto con otros artistas generando momentos de diálogo, debate e intercambio de conocimientos. Nos apasiona y disfrutamos lo que hacemos, dejándolo reflejado en cada una de las obras que publicamos.”

Otra de las constantes en la labor de esta dupla de gestores es la de trabajar de manera más estrecha con los artistas, guiarles al preparar colores, disfrutar del proceso, con el objetivo de crear a partir de esas nociones; potenciando el flujo creador, evidenciando la búsqueda experimental en honestos resultados de alta calidad creativa.

De esta manera, no debería sorprender que Ink Project sea taller, tienda, residencia y galería a la vez. Un espacio que emerge a paso firme para la creación colaborativa, investigación, exhibición y distribución de arte urbano. Con una clara presencia de perseverancia, constancia y porfía en la ejecución de este completo emprendimiento artístico cultural.

Céntrica ubicación y necesidades claras

Ink Project es parte de un sistema mayor, llamado The Dope Corner, (@thedopecornerscl) un lugar creativo y multifacético, donde diferentes creadores cuentan con espacios de trabajo. Ubicado en Ernesto Pinto Lagarrigue 156 en pleno corazón del Barrio Bellavista, a pasos de los metros Baquedano o Bellas Artes.

Una de las características esenciales de la propuesta creativa de Ink Project es que el lugar sea solo un espacio de trabajo, donde no vive nadie, mas donde sus directores pasan la mayor parte del tiempo de sus vidas. “Ink Project nació de esa necesidad; porque ya teníamos el taller y ya veníamos trabajando con artistas, pero necesitábamos llegar al público de una manera más directa, por lo que decidimos ampliar nuestros espacios y reconfigurar este proyecto. Teníamos también la idea de abrir esto desde el formato de residencia y hace unos meses adoptamos esa modalidad, @nebspereira fue el primer artista residente. La idea principal es que el/la artista venga al taller, conozca de la técnica, pueda adentrarse en lo que se puede hacer. Entonces las palabras-fuerza que habitualmente ocupamos son: investigación, experimentación y creación, con esos tres puntos queremos generar la obra, siempre con total libertad”.

Las personas detrás de Ink Project son Esteban Fuentes Caro (1995, Los Ángeles – Bío bío) y Pablo Ceballos Cortés (1982, Arica) ambos nacidos en regiones se avecindaron en Santiago desde hace bastante tiempo, se conocieron en 2018 mientras estudiaban Arte y Gestión Cultural, maneras aprendidas y que continúan explotando en sus labores como socios fundadores del proyecto; un potente lugar donde confluyen sus saberes y se reparten roles; Esteban en la fotografía, Pablo en el diseño. Ambos en la gestión cultural. Esteban encargado de producción y montajes y Pablo en la curatoría, difusión y búsqueda de auspicios. Un equipo estrella que proyecta sus exhibiciones en complemento a otros recursos para atraer audiencias, intencionando generar un hábito cultural entre quienes conformen su público objetivo; “la idea es hacer más actividades aparte de la muestra, siendo una forma de completar un círculo que no estaba acabado… creando, creando con el artista, mostrando y que la gente conozca la obra de primera fuente. Algo que buscan es extender el público, a uno más variado, que quiera interactuar más; donde el hecho de entrar a una galería donde todo es pulcro y un poco intimidante, más si es un espacio pequeño, ya no sea un impedimento. Entonces buscamos que la gente se involucre, que participe de las distintas actividades que están asociadas a las exhibiciones; que conozcan nuestro trabajo en las obras impresas por nuestro taller que están exhibidas en nuestra tienda.”

Orígenes, motivaciones y línea curatorial

Ink Project como taller tiene una antigüedad de 5 años, “en donde se han ido imprimiendo las obras de artistas, al principio, de una manera más personal, para llevar una colección propia y vender algunas cosas, trabajar con una que otra amistad. El taller funcionaba así, se invitaba a artistas a producir algunas obras, para luego venderlas en ferias o en nuestro mismo espacio ya sea físico o web”.

Con anterioridad, entre 2009 y 2011, Pablo produjo la Galería Bomb, ubicada en el mismo barrio y conformada por un equipo de 5 personas. “La llamábamos galería pero más que eso, era un lugar de encuentro. Porque la cultura Street no tenía un espacio definido” Y es en esta imprecisión que Pablo reconoce una gran oportunidad. “Llevo ya un largo tiempo interesado y estudiando la pintura urbana o street art. Consumo muchos sitios y galerías que hablan del tema, con eso he logrado una mirada más aguda, selectiva y crítica al analizar artistas qué queremos invitar, trato de investigar lo más posible el entorno y contexto en el cual trabajan, también la constancia con la cual pintan eso me da una idea de la proyección que pueden tener. Actualmente nuestra programación es continua; lo que viene a reafirmar los esfuerzos y a demostrar que esto está funcionando, porque se mueve y se mantiene. Cada día se nos hace corto. Consideramos que Ink Project es una plataforma para que much@s de l@s artistas tengan una vitrina donde mostrar su trabajo, ya sea en la galería que tenemos o en las distintas ferias en las que participamos además de nuestra web. Es un trabajo donde la colaboración es mutua y nos potenciamos entre tod@s.”

Financiamiento

El trabajo desarrollado por Ink Project se define a partir de la autogestión, generando sus propuestas con autofinanciamiento, por medio de la venta de productos y obras; junto con marcas que auspician con materiales los talleres asociados a las exhibiciones. Además ofrecen los servicios de serigrafía y aquellos ingresos ayudan bastante. En cuanto al trato con la persona expositora este es el siguiente: se queda con el 30% de la venta y el taller con el resto. Mes a mes se le deposita lo vendido y la otra opción es que el artista se quede con la cantidad de impresiones correspondientes al 30% y las pueda vender, regalar o lo que estime conveniente. Los valores de cada obra se conversan con cada artista, estos dependerán del tamaño, tipo de papel y el rango de precios que cada creador maneje. Un acuerdo fundante con l@s artistas es que “dejen una obra para colección del espacio; ya que una de nuestras misiones es tener una de las colecciones más grande de obras de artistas urbanos”.

Vinculación con el medio, nuevas fechas y mediación

                La dupla fundadora de InkProject considera que los ejercicios de mediación son totalmente necesarios y parte significativa de la cultura para que funcione; para que este tema de ver arte, analizar semejanzas o diferencias de las facturas de cada artista, lograr distinguir las autorías, discutir sobre eso, entender que significa debatir a partir de la propia identidad y que muchas veces el artista es un agente canalizador de lo que está pasando en varios contextos. Esteban y Pablo han notado que “por lo general la gente es tímida, no se atreve a preguntar, les da vergüenza. Hay un cierto resquemor, en cambio con un mediador, ya hay un nexo, un diálogo. Conocer al artista ayuda bastante, más allá de hablar de lo técnico, lo que engancha al público es hablar del artista en sí, conocer la historia del autor, provocar esa empatía con su vivencia y con ello entender lo que se quiere expresar”.

El horario de visita de la galería es de miércoles a viernes de 14.00 a 19.00 hs. Para concertar un horario diferente es necesario coordinar previamente la cita a través de sus RRSS @inkprojectprint

Presentación de “RECETARIO COLECTIVO: Recetas de familia; de la palabra al plato, del plato a la red.”

El próximo sábado 24 de Abril de 2021 este proyecto será presentado en una charla gratuita, que abordará el diseño de esta propuesta pedagógica, metodología utilizada, materiales de apoyo, procesos y principales resultados de la intervención en contexto pandemia. Será una colaboración entre la docente/investigadora María del Pilar Rodríguez Amaya @madera_que_cruje y la artista/educadora Paula Bustos Flores @paula_flup (fundadora de Corporación Cultural FAENA) La presentación se realizará para la Fundación Universitaria Católica Lumen Gentium, en Cali Colombia. Para quienes ya ha sido docente invitada a las asignaturas: Artes Gráficas (2020) y ahora: Proyectos Pedagógicos del Programa de Licenciatura en Educación Artística de la Facultad de Educación (este 2021).

Este proyecto es una unidad pedagógica que ha sido creada para la asignatura de Artes Visuales en 8vo básico en una escuela municipal de San Bernardo en Santiago de Chile. En particular, este diseño didáctico está fundamentado en el enfoque reconstruccionista (Efland, 1990), en específico organizado desde la perspectiva de la Propuesta triangular de Ana Mae Barbosa, que se sustenta en tres tópicos de acción pedagógica complementarios; estos son: lectura de obra, contextualización y producción artística; para, desde estos, fomentar la creación visual dentro de un contexto particular, y donde esta condición se traduzca en una herramienta para la transformación sociocultural.

Siguiendo esta idea madre, el objetivo de esta unidad es: dialogar en torno a las características y diferencias de las tradiciones gastronómicas familiares de cada estudiante para, desde las investigaciones desarrolladas, experimentar con el lenguaje visual y producir simbólicamente una obra objetual personal; específicamente al crear retratos fotográficos con los ingredientes de recetas típicas familiares, y por añadidura construir colectivamente el significado de algunos conceptos asociados a esta propuesta didáctica; tales como: Cultura, Rol Femenino, Ritualidad, Identidad, Retrato y Arte Objetual.  

En este caso, la intervención didáctica se basa en la reivindicación de saberes populares ligados a la comida como manifestación cultural en torno a las ideas de identidad y pertenencia; concretamente por medio de la recopilación de recetas típicas familiares de las y los estudiantes con las que se rescatan no sólo sus patrimonios culturales sino que también se fomentan el desarrollo creativo y la producción artística a partir de ejercicios visuales elaborados con comida.

** Es fundamental que quien acceda a cupo tenga plena seguridad de su asistencia a la sesión sincrónica:

Sábado 24 de abril – 9:00 am a 12:00 m – hora colombiana. Enlace de inscripción: 

https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSdlK1Qx_5suAXBha4OfkXiecHPMdHH4gTAzizzwWRdXisi3aQ/viewform

Gráfica Aérea 2017 visítanos en Montecarmelo!

 

INAUGURACIÓN EXPOSICIÓN JUEVES 7/09 – 19.30 hs.

Durante septiembre la Colección Internacional de volantines de artistas Gráfica Aérea estará siendo expuesta en en Centro cultural Montecarmelo en Providencia y como parte de esta nueva intervención 2017 tendremos un taller gratuito para la elaboración de volantines. A este taller puede asistir cualquier persona, los materiales están incluidos y además de aprender a construir un volantín a partir de técnicas tradicionales también podrán apreciar de manera guiada nuestra exhibición, sus registros anteriores y otras sorpresas. Para inscribirse escriban al mail: talleresmontecarmelo@providencia.cl

EL TALLER DE VOLANTINES ES EL 16/09 DE 11 A 13 HS.

LOS ESPERAMOS!!

 

Chile, Perú, Argentina, Cuba y México conectados por el arte de hacer volantines

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GRÁFICA AÉREA conexiones del espacio entre Latinoamérica, reúne las obras de artistas en torno a este Tradicional Oficio

Lima, Septiembre, 2016. Fotografías Ana Cano

GRÁFICA AÉREA es una exhibición colectiva de carácter internacional que recoge las interpretaciones de más de treinta artistas sobre el tema de la iconografía popular, con la intención de plasmar estas visiones por medio de diferentes técnicas del dibujo y grabado, el tradicional calado de papeles y otras propuestas experimentales como el termofundido de bolsas plásticas en diseños de volantines de autor que han sido empalillados en una primera etapa por Boris Prado, heredero de este oficio patrimonial por parte de su abuelo el mítico volantinero Guillermo Prado de Quinta Normal; quien trabajase en antaño junto a Nemesio Antúnez.

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Registro Documental Oficio Volantinero

GRÁFICA AÉREA, colección itinerante se expuso en Junio en Santiago Chile y estará abierta al público entre el 7 y 21 de Septiembre en la Casa de la Cultura de San isidro en Lima, ya que es parte del circuito oficial de exposiciones que componen la 5ta Bienal Internacional de Grabado de Lima, organizada por el Instituto Cultural Peruano Norteamericano – ICPNA en Perú. La participación en la Bienal considera workshops de confección y armado de volantines para la creación colectiva junto a agentes locales; obras que se incorporarán a la colección, conversatorios en torno a creación de arte contemporáneo en Latinoamérica y actividades recreativas de mediación con la comunidad (ver recuadro), con la intención de ampliar audiencias y estrechar nuestros vínculos socioculturales. Finalmente la totalidad de obras reunidas regresarán a Chile, para una siguiente intervención en el puerto de Valparaíso, que estará acompañada por una demostración de volantinismo gentileza del Club de Volantines F4 de Quilpué.

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La recién inaugurada exhibición ha tenido muy buena recepción por el público en Lima, quienes advierten paralelos históricos entre la tradición de la confección de cometas en Perú y la elaboración de estos sofisticados volantines calados e impresos en Chile. Ambas manifestaciones son consideradas un objeto cotidiano, emotivo y popular, ícono de nuestra historia como cultura. Las obras dispuestas cuidadosamente sobre cables tensados han despertado la atención y reflexión al ver cómo lo frágil, habitual y corriente que existe en el volantín es revalorado adquiriendo una nueva condición de objeto de arte según su emplazamiento.

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Este proyecto de rescate patrimonial por medio de las artes gráficas tiene como propuesta central vincular la tradición del oficio popular de volantinero (perdido en el tiempo) con diseños que dan cuenta de un imaginario actual (desarrollado en el presente); con la idea de hacer contemporánea una práctica tradicional y reactivarla por medio de la elaboración de volantines de autor; con el propósito de hacer perdurar un conocimiento, contribuir a su reposicionamiento y con esto revertir su estado latente de extinción.

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Programación de Actividades

Actividad

Lugar

Día

Horario

Cupo

Conversatorio:
. Ponentes de Chile, Perú y Ecuador
Estudio 121, Federico Villareal 121, San isidro.
13 de septiembre
6 pm
Por  orden llegada.
Ingreso Libre
Actividades Recreativas
FAENA (scl) y COLECTIVO ZAMBACANUTA (pe)
Sábado en El Agustino
Domingo en Parque María Reiche, Miraflores
17 y 18 de septiembre
Sábado desde las 11.30 am
Domnigo desde las 2 pm
Ilimitado
Conversatorio
GRÁFICA AÉREA
Casa de la Cultura de San Isidro. Los Incas 270. Segundo Piso.
20 de septiembre
7.30 pm
50 personas
Visita Guiada y Clausura
Casa de la Cultura de San Isidro. Los Incas 270.
21 de septiembre
7 pm
Ilimitado
 Informes a:  faenadigital@gmail.com 
+51 984 906 750 FAENA Lima, Perú / +56 961 363 959  FAENA Santiago, Chile.

 

GRÁFICA AÉREA Santiago – Lima – Valparaíso un proyecto de Corporación Cultural FAENA

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Gráfica Aérea es una colección de arte objeto itinerante en base al diseño y elaboración de volantines de autor.

La propuesta tiene como propósito la reivindicación del oficio tradicional del Volantinero, entendiéndolo como un quehacer popular muy distintivo de la memoria colectiva, local e identitaria de Chile. La recuperación de este saber patrimonial se realizará a partir de la experiencia de un maestro volantinero, quien tendrá por labor Empalillar y Armar los volantines elaborados por XX personas ligadas al mundo de la gráfica que han sido invitadas a participar de esta muestra bajo el tema curatorial Nueva Iconografía Popular.[1]

Se propone la recopilación de datos históricos y contextuales para crear un documento audiovisual sobre este sencillo y prolijo trabajo. En una primera etapa la exposición, se compone de: Registro audiovisual del proceso e historia del objeto, Exhibición de elementos claves en su producción y Volantines creados por los participantes en Chile. Para luego llevar a cabo una segunda etapa que replica la experiencia en Perú.

El proyecto comienza con la convocatoria abierta de obras, selección de propuestas, producción de las mismas y diseños/ejercicios de montaje realizados como parte de una residencia de creación en Santiago, posteriormente en Septiembre 2016 será expuesta en Perú como parte de una segunda residencia en el país vecino. En Lima se lanzará una nueva convocatoria que considera: Taller Abierto para la creación colectiva de volantines y Montaje de la exposición (en la vía pública y en el espacio de la residencia) con la intención de ampliar audiencias y estrechar nuestros vínculos socioculturales.

Finalmente, la totalidad de obras recolectadas formará parte de la colección de arte de Corporación Cultural FAENA y se exhibirá en Valparaíso, Chile.

Bases aquí

Plazo de envío de imágenes 27 de enero de 2016

Entrega de las obras: segunda semana de febrero de 2016

Consultas e informaciones a: faenadigital@gmail.com

[1] En relación al amplio sistema de imágenes, símbolos e historias visuales que están enraizadas en la memoria colectiva y que son visibilizadas por los artistas en sus propuestas, incorporando arbitrariamente sus visiones e imaginarios con la intención de enriquecer el tema que da origen a esta producción.

INTENCIONES DE LUZ – HORIZONTES DEL SUR, una muestra del artista peruano Augusto Ballardo en Chile

INTENCIONES DE LUZ Horizontes del Sur_ AUGUSTO BALLARDO

HORIZONTES VERTICALES

por Paula Bustos Flores (Dirección Creativa y Coordinación)
faenadigital@gmail.com – a.k.a Paula Flup


INTENCIONES DE LUZ – Horizontes del Sur
es la muestra que Augusto Ballardo (Lima, 1986) realizó entre el 29 de enero y 06 de febrero de 2015 en la galería del colectivo MICH www.museointernacionaldechile.cl, conformada por instalaciones site especific en donde el artista trabajó desde las posibilidades que el espacio a intervenir le brindaba. Es así que, utilizando tubos fluorescentes de dos tonalidades y que en conjunto nos acercan al color arrebol del atardecer, nos invitó a recorrer su propuesta aproximándonos a estos Horizontes Intencionales.

Desde 2011 que Augusto viene trabajando con instalaciones lumínicas las que, irradian colores más allá de la intervención misma y tal como sucedió en la exhibición emplazada en Providencia, prolonga la obra al espacio exterior, ampliando su fulgor hacia todo el entorno de la galería. Esta cualidad expansiva es una propiedad que la luz posee y que en sí misma acompaña al artista para cumplir sus propósitos visuales, pasando desde las intenciones a la realidad de luz.

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Fue imposible pasar por alto lo purista del montaje que asistía desde lo técnico al concepto de obra. Cercana a una estética minimal pero con fuerte arraigo en lo geométrico y abstracto heredado de la iconografía precolombina estudiada en las culturas simultáneas Diaguita en Chile y Chancay en Perú. Esta construcción simbólica potente se podía corroborar en una gráfica lineal que representa los horizontes cordillerano y marítimo enlazados. Dicha figura repetida modularmente se encontraba en un dibujo enmarcado en acrílico y también al interior de la segunda sala, de manera menos perceptible, estaba pintada en sus paredes con un segundo blanco. Dos piezas de hule adosadas al muro con imanes prolongaban esta idea de horizonte continuo ondeante, ambas pintadas con franjas paralelas de los colores de las luces; rojo y azul incandescente.

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Siguiendo la composición pulcra de las salas es importante señalar que la disposición vertical de los tubos rompía con la clásica idea del horizonte apaisado que tenemos y proponía sensaciones visuales muy atractivas y empíricas. A pesar de que cada tubo por separado era una línea vertical, al estar montados en continuidad conformaban bloques de color luz. De esta manera ya desde el exterior percibíamos la obra, observando como un cuadrado rosáceo adosado a la ventana se expandía sobre plantas, edificios, banquillos, veredas y todo elemento adyacente. La pieza central encendida indicaba el lugar de los hechos, funcionando como una invitación a la curiosidad de los transeúntes. Esto hace posible indicar que la obra planteada por Ballardo hace partícipes las percepciones y vivencias directas del espectador ante la misma; ya que, como fue comentado por el público: al mantenerse observando los tonos de luces hacía posible que al mirar hacia otro lugar vieras tu objetivo con un filtro verdoso, propio del complemento faltante en los colores luz (RGB).

Entrando a la galería la predominancia del azul de la primera instalación inducía a un ambiente seco, más bien frío, que hacía concentrarnos en la pieza de hule transparente que brillaba con los reflejos en el fondo del lugar. Esta última que a primera vista parecía caída, cuestionaba al visitante y podía ser comprendida en relación al dibujo enmarcado al que se hizo mención anteriormente. El doblez siempre presente en la obra del artista nos indicaba a seguir el recorrido hacia la derecha del espacio. Por el pasillo destellos de luz rosa se diferenciaban de lo anterior e inducían a adentrarse a la siguiente habitación que resultaba atrayente y sutilmente dulce. Entrando a la mano izquierda por el umbral carmesí podías reencontrarte con la instalación de la ventana que esta vez por dentro irradiaba sobre toda la sala y sus objetos una suma de luz violácea, induciendo automáticamente a una visualidad de espectáculo muy simple, pero que denotaba la preocupación del artista en su presentación con intervalos de espacios combinados simétricamente por proyecciones lumínicas y horizontes de color.

Más allá de luces, proyecciones, colores y la obra en sí misma lo que me impresionó de acompañar a Augusto en este proceso de exhibición en Santiago fue el valor de la autogestión como mecanismo de acceso e intromisión al circuito local. Sin duda, esto marca la persistencia y motor del artista peruano por encontrar su horizonte en este plano geográfico, y se ve reflejado en la cobertura que ha tenido su muestra y los alcances relacionales que por parte de la misma han surgido en una calurosa escena joven de verano, ávida de creación.
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SALIR DE LO MISMO Convocatoria 2013

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SALIR DE LO MISMO, es una invitación para exponer de manera colectiva obras personales y trabajos anteriores considerando gestiones culturales, proyectos pasados o en curso relacionados a la difusión, creación, circulación y gestión de arte.
De esta forma la sala estaría compuesta por trabajos inéditos de cada autor (seleccionados de forma conjunta) así como también de resúmenes de gestiones como por ejemplo los proyectos Galería Piloto, Los No Más Clavos, FAENA, Territorio Cultural, entre los que se pueden precisar por el momento.
La exhibición pretende convertirse en una especie de recorrido histórico de estos 10 años que han pasado entre el entrar a una misma escuela de Artes y desarrollar un oficio en el campo de la Visualidad.
Considerando el rango 2003 – 2013 ya es una década de experiencia de un quehacer que no se presenta como algo fácil de construir y es por ello que este SALIR DE LO MISMO trae por delante su juego ambiguo y ambicioso de significado; el de un origen en común como el de una idea de hacer y ser algo diferente.
Se propone exponer en el Lab de Arte Usable, barrio Bellas Artes y en la renovada Sala Nemesio Antúnez de la UMCE. Por el momento esto es un aviso/invitación que anuncia y busca confirmar a los participantes. La expectativa es que la muestra se realice entre Abril y Mayo de este año, todo sujeto a cambios en tanto se realizan las gestiones alusivas.

(fecha límite de recepción de obras 29 de marzo)

Informes y consultas a faenadigital@gmail.com o por inbox en facebook a Paula Flup 
Agradecimientos a DeerHead por la imagen del evento.http://www.facebook.com/adeerhead

Artistas convocados: Carlos Apablaza, Kriztoval Opazo, Consuelo Cortes, María Jose Muñoz, Pipo, Kaeli Lazo, Viviana Corvalán, Paula Flup, Felipe Holding, Rodrigo Soto, Manuel Maureira.

TEXTO FINAL

            SALIR DE LO MISMO es una muestra que agrupa a distintos agentes culturales; reúne a 16 artistas jóvenes que exhiben sus propuestas de gestión y producción, entiéndase por esto: difusión, creación, circulación y hábito cultural de Arte Contemporáneo.

Organizados por FAENA Corporación Cultural y en colaboración al espacio de exposición,  la muestra pretende convertirse en una especie de recorrido histórico de los 10 años transcurridos  desde el ingreso a la extinta carrera de Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela del ex -Pedagógico y  el profesionalizar un oficio en el campo de la Visualidad.

Considerando el rango 2003 – 2013 ya es una década de experiencia en un quehacer que no se presenta como algo fácil de construir pero que se enriquece en lo sostenido de su presencia.

En concreto, la exposición está compuesta, por trabajos inéditos y en el centro del lugar se recrea un tótem. Se proyectan registros de actividades anteriores y vemos 4 infografías de las gestiones artísticas realizadas por Galería Piloto, Los No Más Clavos, FAENA y Cultura de Ciudad.

SALIR DE LO MISMO es entendido por sus exponentes como una instancia de participación innovadora y necesaria en el campo de las Artes Visuales en Chile.

Participan: Carlos Apablaza Baschmann, Carolina Ávila, Consuelo Cortés,, Kaeli Lazo, Kriztoval Opazo, Paula Bustos, Cristoffer Pérez, María José Muñoz, Tonino Abarzúa, Viviana Corvalán, Jocelyne Rodríguez, Karina Prudencio y Rodrigo Araya Zamudio.

Superando lo escolar y en un acto de humilde resistencia, la exposición lleva por título un nombre ambiguo y ambicioso; el de un origen en común marcado por la precariedad de condiciones en que aprendimos a ser quien somos, así como el de la idea de hacer y ser algo diferente.

Texto: Paula Bustos.

Produce: FAENA – Corporación Cultural.

Auspicia: Art Home.

Colaboran: Dear Head (pe),  Galeria Piloto, Los NoMasClavos y Cultura de Ciudad.

Patrocina: Extensión UMCE.

Prensa: Nota de la revista Punto de Fuga

SOMOS ANFIBIOS EVOLUCIONA O MUERE! REGISTRO 2012

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   Somos Anfibios: Evoluciona o Muere! es un dedicado esfuerzo de autogestión en forma de una exposición colectiva que se inicia a través de una convocatoria abierta en Internet y que reúne a 25 artistas entre nacionales y extranjeros.

De formatos y propuestas disímiles los artistas se nutren del nombre de la muestra que los convoca y en sus interpretaciones colaboran con obras que: en algunos casos investigan en el pasado y examinan sistemas actuales; o bien radicalizan sus trabajos anteriores llevándolos hacia algún extremo, profundizando el  lenguaje de sus ejercicios visuales.

Obra Lesly Sánchez Egusquiza (pe) Calado sobre billetes.

Obra Lesly Sánchez Egusquiza (pe) Calado sobre billetes.

El visitar la muestra nos permite darnos cuenta que estamos en presencia de ejemplos críticos del valor histórico de las cosas. Así, estas obras en analogía a ‘un cuerpo anfibio’ conviven en más de un ambiente y han sido objeto de metamorfosis; juzgan el medio en el que están insertas y permanecen, en algunos casos, al margen de las estructuras.

Somos Anfibios es por tanto el conjunto de un nutrido y ambiguo imaginario sobre cómo un quehacer se actualiza, asumido desde la propuesta de cada uno de los participantes, que ponen atención justamente en esta ‘doble vida’ que existe en la acción de: adaptarse o desaparecer.

Artistas participantes:  Carlos Apablaza Baschmann (chi), María Belén Granda (ecu), Rosa del Trueno (chi), Kriztoval Opazo (chi), Kaeli Lazo (chi), Panclasta (chi), Pablo Maire (pe), Juan Bautista (mex), Patricio Dalgo (ecu), Gabriela Rivera (chi), Felipe Bracelis (chi), Emilio Fabres (chi), Aaron Julian (pe), Pipo (chi), David Mayo (esp), MRNO (chi), Radoslav Rakela (chi), Ana castañer (esp), Beto Serquén (pe), Paula Flup (chi), Lesly Sánchez (pe), Nilton Vela (pe), Mauricio Sanhueza (pe), Benny Ríos Arenas (pe), Jimena Valenzuela (chi).

Esta exhibición se ha mostrado en Chile en dos oportunidades, la primera dentro de Taller abierto de Galería Local Project Terminal 1  Santiago – Nueva York. Y también fuimos invitados a participar gracias a Galería Piloto en  Chacoff exponiendo en Espacio Oops! en una muestra conjunta que reunía artistas jóvenes y a muestras colectivas gestionadas por propuestas similares a la de FAENA.

Registro Exhibiciones Santiago de Chile 2012 

MOVILIDAD Y FIN DE MUNDO – GONZALO CUETO (chi)

Proyecto de sub residencias  Art Dealers
Escuelab Lima, Faena Digital Chile y su proyecto de intervencion cultural ARTDEALERS, tienen el agrado de invitarlos a la inauguración de la exhibición ‘Movilidad y Fin de Mundo’ del artista chileno Gonzalo Cueto. La inauguración se realizará el día martes 25 de octubre en la Sala 1042, ubicada en Jr Belen 1042, 4to piso; a pasos de Plaza San Martín frente a los bomberos (en el mismo edificio de Escuelab). La propuesta del artista se divide en dos soportes, uno es esta exposicion y dos, una charla con el artista planificada para el dia sabado 29 a las 11 am en Escuelab (jr. belen 1042, 5to piso)

La exposición es una video proyección de un proyecto en desarrollo
http://www.desterritorio.net y corresponde a una línea de exploración sobre la intersección de representaciones que se generan a partir del conflicto en la Araucanía (conflicto MAPUCHE), exploraciones que se dan en forma audiovisual en entrevistas y online a través de feeds de redes sociales en tiempo real.
Este proyecto se expuso en septiembre de este año en la Galería de arte contemporáneo de la Universidad Católica de Temuco.

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La charla se basará en el proceso de creación de este proyecto, además de presentar http://www.nieblaluminosa.net, ver las similitudes y diferencias y también explicitar mi intersección de trabajo actual en base a geoinformación y sus aspectos críticos con el territorio, preferentemente rural. La idea es compartir supuestos, intenciones y modos de producción que motivan la creación de estos proyectos.

Gonzalo Cueto es Licenciado en Arte. Mención Pintura de la U. Católica de Temuco. Chile 2004. Master en Teoría del Arte Contemporáneo y Práctica de la U. Complutense de Madrid 2007.
Trabaja principalmente en la intersección entre el vídeo y la acción directa, con una línea de trabajo que examina de modo crítico la importancia de los sistemas de contexto y sistemas simbólicos en relacion a como estos afectan una posible construcción de representación política, en base a la subjetividad de la realidad contemporánea como el lugar para la observación y la creación entre los bordes de los avances y su relación con el territorio.
Ha participado en festivales de vídeo y exhibido en España, México, Cuba, Alemania y Chile, donde también recibió subvenciones del Gobierno de Chile por su producción artística.
Nos visita tambien como representante de http://www.laboratoriotemuco.org
Laboratorio Temuco es un laboratorio de Investigación, mediación y difusión de procesos culturales y de producción artística. Creado en Temuco en el año 2000. Reúne a distintos profesionales y mediadores de áreas artísticas y de las Ciencias Sociales. Actualmente estan en un proceso de proGeneración de actividades y acciones que aporten a la creación artística y Cultura contemporánea Regional. El Laboratorio se acciona mediante diversos núcleos ejecutivos que llevan adelante sus integrantes. En pos de lineas de trabajo y diagramas de colaboración con otras instituciones y organizaciones colectivas.

**NO TE PIERDAS LA EXPO ENTRE EL 25 DE OCTUBRE AL 1 DE NOVIEMBRE**
Para visitas y consultas favor coordinar con Javier del Carpio al 998310532 o al mail faenadigital@gmail.com

Gustavo Daniel Ríos (ARG)

Postal difusion Gustavo Daniel Rios

Gustavo nos visita desde el 3 al 11 de Septiembre de 2011.

*Sábado 3 de Septiembre 20 hs.

Presentación de videos seleccionados por Eugenia Hernández y Gustavo Daniel Ríos.

“La Casa Ida”. Av. Nicolás de Piérola 767. 3er piso. Lima

Benito Laren, Camilo Guinot, Eugenia Hernández, Pan Duro, Paula Jofré Ibañez, Sergio Alvarez, Sofía Donovan.

*Lunes 5 de Septiembre de 19 a 21 hs.

Charla sobre Gestión Cultural Autónoma con Gustavo Daniel Ríos.

Este lunes 5 tendremos la presentación de Gustavo Daniel Rios (ARG) con su proyecto El Probador www.elprobador.blogspot.com como parte del programa de exhibiciones del II Encuentro Estrategias Visuales Lima 2011. En especifico dentro del proyecto Art Dealers https://faenadigital.wordpress.com/proyectos/
Conversaremos principalmente sobre Gestión Cultural Autónoma, tratando temas en una conversación abierta con todo quien quiera venir a preguntar y compartir su experiencia; en torno a temas como: gestión, producción y hábito cultural.
Para eso hemos invitado tambien 3 perspectivas de gestores locales con experiencia en gestión regional y metropolitana.
Nos encontraremos en la Sala de Conferencias de Escuelab en Jr Belén 1042. 5to piso,frente a los bomberos. El ingreso es gratutito.

Sala de Conferencias Escuelab. Jr Belén 1042. 5to piso, Lima. Ingreso Libre, inscripciones en www.escuelab.org

Participan:

Manuel Ramos Van Dick, gestor y curador independiente.

Nilton Vela Dámaso, artista plástico. Director Arte Joven.

Paula Bustos Flores, artista visual, residente chilena en Escuelab, Lima.

En vivo lo ves en: www.ustream.tv/user/escuelab

*Viernes 9 de Septiembre 20 hs.

Inauguración Exposición: “Talento Latino” 24 artistas (pe, arg, chi) en Galería del Taller Kimkilen.

Av. Grau 170. Barranco. A pasos de la estación Estadio Unión del Metropolitano.

Artistas: Agustina Pesci, Alejandra Knoll, Belén Romero Gunset, Catalina León, Daniel Leber, Flor Caterina, Gala Berger, Gustavo Daniel Ríos, Jimena Fuertes, Josefina Zuain, Laura Códega, Lino Divas, Luciana Malfatti, Maja Lascano, Mariela Gouiric, Pablo Curutchet, Paula Pogranizki, Ramiro Oller, Verónica Navajas,Clara Tomasini (Argentina), Leonardo Ríos, Leoncio Cabanillas (Perú), Paula Bustos Flores, Paula Ibañez Jofré (Chile).

Tambien SHOWROOM de lxs Artistas del Taller de Arte y Grabado Kimkilen

Los esperamos!!

Paula Bustos Flores

Cristián Morales Alarcón

faenadigital@gmail.com

¡siempre buenas sorpresas!

www.elprobador.blogspot.com



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